SENSACIONES

SENSACIONES

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” Hay en todos los cuadros una potencia de color que no habías alcanzado todavía, lo cual constituye ya una rara cualidad, pero tu has ido más lejos, y si los hay que buscan el símbolo a fuerza de torturar la forma, yo lo encuentro en muchos de tus cuadros a través de la expresión concentrada de tus pensamientos sobre la naturaleza y los seres vivientes a los cuales están tan estrechamente ligado.” (carta de Theo a Vincent 1889)

 

” La expresión personal que aparece en sus obras las convirtió en testimonio de su vida y sus emociones, en casi autorretratos” ( Amy Depsey. Estilos, escuelas y movimientos )

 

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“Todo elemento de mis cuadros ha sido atentamente considerado y estudiado con anterioridad (…) estimular la imaginación como hace la música… sólo a través de la misteriosa afinidad que existe entre ciertas combinaciones de colores y de líneas y nuestra mente…” (Gauguin)

 

” Cézanne daba a la sensación la dimensión intelectual mientras Gauguin la coloca en la dimensión de la imaginación ” ( Argan, El arte moderno )

 

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” Sin Cézanne me pregunto qué sería de la pintura actual. Durante un largo periodo he trabajado sobre su obra. No conseguiría apartarme de ella, no cesaba de explotarla y descubrirla. Cézanne me ha enseñado el amor por las formas y los volúmenes y me ha hecho centrarme en el dibujo.” (Fernand Leger a Pablo Picasso)

 

” (…) mi consejo a los jóvenes es que pinten lo que ven, olvidando todo lo que existió antes de nosotros (…) cuando me siento a hacer un apunte de la naturaleza, la primera cosa que trato de hacer es olvidarme de que haya visto alguna vez un cuadro ” (Cézanne a Bernard, 1905)

 

Con Cezanne, Gauguin y van Gogh se abre un nuevo mundo en la pintura y en el arte en general: el mundo de las sensaciones del autor se coloca por encima de la realidad tangible.

 Progresivamente, y ya con las vanguardias del siglo XX, el canón clásico en la pintura: realismo, proporción, perspectiva, colores reales, volumen en las figuras, composición equilibrada se va a ir perdiendo ante la presión de la reflexión propia del artista hacia su obra y por la creciente importancia de las sensaciones y experiencias personales en la creación artística.

Los tres posimpresionistas ganan su sitio en la historia del arte no tanto por la calidad o la abundancia de su obra -aquí todo es discutible- sino porque, por primera vez, cada uno de ellos rompe a su estilo con la tradicional relación entre el pintor y el hecho artístico.

 A partir de ellos, cualquiera que estudie arte ha de tener presente lo que el artista piensa de la realidad, del arte, de los sentimientos, su visión filosófica de la vida, su experiencia sensible, sus relaciones personales,… porque todo conformará su obra.

 

Publicado por Javier Ridruejo fuente: http://artecom.blogspot.com/

Andy Warhol / en Colombia

Andy Warhol «Mr. America» – Museo de Arte del Banco de la República [Bogotá, D.C]

La exposición

El Museo de Arte del Banco de la República, los amigos de sus colecciones y la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, en Alianza con la Revista Semana y W Radio, y con el patrocinio de Coca-Cola; invitan a la exposición Andy Warhol, Mr. America que se presentará gratuitamente en Bogotá.

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La exposición, organizada en colaboración con el Museo Andy Warhol de Pittsburg y bajo la curaduría de Philip Larratt-Smith, es un panorama completo del trabajo de este fecundo artista, y la exposición más grande que se haya organizado en un museo en América Latina.

La lista de obras comprende 26 pinturas, 57 serigrafías, 39 trabajos fotográficos y dos instalaciones (“Silver clouds” y “Cow wallpaper”). Además, se presentarán, 14 de sus películas en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño.

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Andy Warhol, Mr. America explora todos los apectos y periodos de la multifacética producción de este artista, con un énfasis particular en el periodo comprendido entre 1961 y 1968.

La exposición estará acompañada por un catálogo que incluirá un ensayo principal de Larrantt-Smith, textos inéditos de Beatriz Gonzáles, Gary Indiana, Frederic Tuten, Mary Woronov y Matt Wrbicam; así como entrevistas con John Baldessari, Iran do Espírito Santo, Jenny Holzer y Guillermo Kuitka. Igualmente, la publicación presentará una extensa cronología de la vida de Warhol en relación con la política y la cultura, y una amplia selección de citas de Warhol y de varias personalidades sobre la vida y el arte de este artista.

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Las muestras fílmicas

En el marco de la exposición Andy Warhol, Mr. America, la Fundación Gilberto Alzate Avendaño proyectará 14 películas del artistas y realizará un seminario sobre la influencia de Warhol y el Pop en la cultura y la vida contemporánea.

Una muestra de 14 cintas, entre videos y películas de Andy Warhol será presentada del 18 de junio al 23 de septiembre en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Esta muestra completa la exposición de Andy Warhol Mr. America, que se realiza en el Museo de Arte del Banco de la República.

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El material fílmico, presentado por primera vez en Colombia, permitirá apreciar y entender la faceta de cineasta del artista. En esta ocasión, el público tendrá la oportunidad de ver obras, no tan conocidas, que marcaron la historia del arte contemporáneo.

En la presentación se verán películas experimentales producidas en los años 60. Kiss, 1963 con Naomi Levine y Pierre Restaney, Vinly, 1965 y los Screen Tests (retratos fílmicos) de Salvador Dalí, Bob Dylan, Dennis Hooper, Susan Sontng, entre otras, serán algunas de las películas que se proyectarán de forma permanente en las salas de exposición de la Fundación.

A esta muestra se sumará la proyección en el auditorio de películas como Beauty #2, 1965, Poor Little Rich Girl, 1965 entre otras con Edie Sedgwick, y sus últimas producciones como las icónicas The Chelsea Girls, 1966, Imitation of Christ, 1967-69 y The Nude Restaurant, 1967-1968.

Según Philip Larrant-Smith, curador de la exposición, las películas de Warhol “documentaron el voyerismo y el exhibicionismo, el narcisismo y la alienación de la generación de los sesenta, y pusieron en entredicho las premisas fundamentales del cine”.

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Información:

Fecha: Del 16 de junio al 21 de septiembre de 2009

Lugar exposición: Museo de Arte del Banco de la República – Bogotá, D.C.

Dirección: Cll. 11 No. 4-14

Tel: (57) 1 3431212

Lugar muestras fílmicas: Fundación Gilberto Alzate Avendaño- Bogotá, D.C.

Dirección: Calle 10 # 3-16

Tel: (57) 1 2829491

*Ambos eventos son de entrada gratuita

 

Fuente: http://agorarte.wordpress.com/

LA ESCULTURA TARDÍA DE PICASSO. MUJER.

“LA ESCULTURA TARDÍA DE PICASSO. MUJER. LA COLECCIÓN EN CONTEXTO” MUSEO PICASSO MÁLAGA

Escrito por Museo Picasso Málaga   

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La nueva exposición del Museo Picasso Málaga, La escultura tardía de Picasso. Mujer. La colección en contexto es parte de la serie que tiene como fin situar histórica y artísticamente obras seleccionadas de los fondos del MPM. La escultura de chapa recortada Mujer (1961), donada por Christine Ruiz-Picasso, es la protagonista de esta nueva muestra que reúne hasta el próximo 30 de agosto cerca de 40 obras realizas por Picasso en diferentes momentos de su vida, como siluetas de papel recortadas cuando era niño, construcciones cubistas o pinturas y esculturas de su última época.  

La escultura tardía de Picasso. Mujer. La colección en contexto incluye,   además de pinturas y dibujos de diversos períodos de Picasso, tres importantes esculturas de Julio González y un mágico decoupage de Henri Matisse a través de las cuales se estudia el dialogo existente entre la obra de estos dos grandes artistas y Picasso. La exposición examina, a través de un escogido grupo de obras, el largo proceso creativo que culmina en un nuevo y singular tipo de escultura al final de la vida artística de Picasso. Los orígenes de Mujer y de las otras esculturas de la última época los podemos encontrar en las figuras de papel recortado de su niñez y en las construcciones cubistas de las cuales se deriva. Durante el cubismo formula un nuevo lenguaje que muestra su preocupación sobre conceptos de plano, transparencia y espacio, fundamentales para comprender el contexto creativo de Mujer. Estas preocupaciones están presentes asimismo en las obras realizadas entre los años veinte y cincuenta incluidas en la muestra, las cuales evidencian el largo y complejo proceso creativo que nos conduce a las esculturas de chapa recortada de principios de los años sesenta.  A pesar de lo mucho que se ha escrito sobre Picasso y su obra y del ingente número de exposiciones sobre el artista, las esculturas de la última época de Picasso han sido objeto de estudio en muy raras ocasiones.

La escultura tardía de Picasso. Mujer. La colección en contexto por lo tanto es prácticamente la primera vez en la que se estudia a fondo estas esculturas y se exponen en el contexto de sus orígenes. La exposición está comisariada por Elizabeth Cowling, catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Edimburgo, reconocida internacionalmente como uno de los principales expertos en Picasso.  

Mujer, la escultura

Mujer, la fascinante pieza en torno a la cual gira esta exposición, es una escultura realizada en 1961, estructurada en tres paneles diferenciados, en chapa recortada, doblada y pintada en blanco, basada en la maqueta en papel que Picasso recorta en el mes de enero del mismo año. Esta obra pertenece al grupo de esculturas, más de un centenar creadas entre 1961 y 1962, que muestran, con una considerable variedad formal y conceptual, rasgos similares con los que Picasso da por finalizada su revolucionaria e innovadora carrera como escultor.

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Orígenes

Cuenta Lionel Prejger, el colaborador de Picasso en la realización de estas esculturas,  que, tras aceptar la propuesta del artista de trabajar juntos, éste le confesó: “voy a poder hacer realidad un sueño que tenía hace mucho tiempo. Convertir en objetos duraderos esos papelitos dispersos por todas partes”. En los principios de los años sesenta, el artista, en plena madurez, emprende con entusiasmo este nuevo proyecto transformando en metal un nuevo tipo de escultura de planos. Prejger afirma en el texto que reproduce el catálogo de esta exposición: “con Picasso, nada ocurre por casualidad. Cualquier curva, cualquier pliegue, cualquier superficie plana, cualquier hueco, todo está pensado, todo tiene una intención. La sombra existe, está creada, las superficies planas preparan los negros deseados”. 

Construcciones cubistas

Elizabeth Cowling incide en el modo en que Picasso a lo largo de su vida emplea su maestría del recorte y en como esta técnica alcanza su madurez en el cubismo. Es en el periodo cubista, cuando Picasso realiza sus primeros collages y papiers collés, sus primeras construcciones en cartón y hojas de metal, cuando el proceso artístico le permite aplicar esta habilidad a un sinfín de combinaciones innovadoras gracias a un “lenguaje de signos” reduccionista y flexible. Son estas construcciones cubistas las que anticipan la independencia y la doble dimensión de las esculturas de los años sesenta.  Pablo Picasso continúa utilizando estas técnicas de construcción cubista tras la Primera Guerra Mundial, tanto en su colaboración con el escultor catalán Julio Gónzalez como mediante posteriores indagaciones realizadas en dos dimensiones. Durante mucho tiempo, mediante modelos procedentes de papel recortado y plegado, Picasso investiga la elaboración de esculturas integradas por diversos planos, explotando tanto los efectos de desorientación que produce la asimetría como la reconfortante belleza del equilibrio. Así, Picasso idea un novedoso tipo de escultura arquitectónica ligera y plana, a menudo animada mediante el uso del color.  

Sylvette

Si bien durante los años cuarenta y cincuenta Picasso utiliza objetos de metal encontrados en sus assemblages, no realiza esculturas de planos hasta su encuentro con Tobías Jellinek y con Sylvette David en 1954. La joven y bella Sylvette es objeto de numerosas pinturas y dibujos que Jellinek traslada a láminas de metal y que Picasso luego pinta. Esta colaboración sirve de modelo a la que mantendrá con Prejger y su maestro de obra Tiola, en los años sesenta. 

Escultura en chapa recortada

Mujer y el grupo de esculturas coetáneas se exponen junto a pinturas en las que es posible apreciar las mismas preocupaciones en torno al concepto de lo plano, multiplicidad de puntos de vista y relación entre forma y espacio. El conjunto permitirá subrayar la unidad de la escultura y la pintura picassiana durante este periodo de su carrera. Cuando Pablo Picasso, con motivo de su 80º cumpleaños es entrevistado en un programa de radio y se le pregunta en qué está trabajando, describe sus esculturas en chapa recortada. Preguntado de nuevo acerca de si también está pintando, replica “Claro que sí, y en cualquier caso es lo mismo, exactamente lo mismo”.

Escultura monumental

A partir de 1964 Picasso ya no crea nuevas maquetas de papel o cartón, ni tampoco piezas modeladas o construidas, si bien autoriza al artista noruego Carl Nesjar a que traslade a tamaño monumental determinadas esculturas suyas. La colaboración con Nesjar se mantuvo hasta muy poco antes de la muerte de Picasso, aunque nuestro artista no llegó a ver in situ estas esculturas.

Durante la exposición, en la sala XII del MPM se mostrará una selección de fotografías que ilustran la colaboración entre ambos artistasLa escultura tardía de Picasso. Mujer. La colección en contexto está comisariada por  Elizabeth Cowling. Cowling es catedrática en la Universidad de Edimburgo, en la que ha desarrollado una intensa actividad investigadora orientada principalmente al estudio del arte europeo del siglo XX y, en particular, de la obra de Magritte, Matisse y Picasso. Ha comisariado Picasso: Sculptor/Painter (Tate Gallery, Londres, 1994) y Matisse Picasso (Tate Gallery, Londres; Grand Palais, París; MoMA, Nueva York; 2002-2003) entre otras muestras. Su libro Picasso: Style and Meaning (Phaidon Press), fue seleccionado el libro del año por la revista Apollo en 2002. En 2007 publica por en cargo del Museo Picasso Málaga La serie “Mujer tendida en la playa”. 

Catálogo y  actividades

Con motivo de la exposición, el MPM edita un catálogo editado en español así como en inglés, incluye textos de la comisaria, Elizabeth Cowling y de Lionel Prejger, el texto de éste último editado por primera vez en español, es a la vez el primer artículo escrito sobre las esculturas tardías de Picasso. En el catálogo están reproducidas y debidamente documentadas todas las obras que reúne la exhibición. Del mismo modo, el MPM ha programado un ciclo de conferencias en el que expertos historiadores incidirán sobre diferentes aspectos de La escultura tardía de Picasso. Las conferencias tendrán lugar los jueves a las 20.00 horas y cuentan con la colaboración de la Universidad de Málaga: 

14 de mayo > Elizabeth Cowling: Papel, cartón y tijeras: Picasso y el arte de la escultura

21 de mayo > Diana Widmaier Picasso: Las esculturas en chapa recortada de Picasso: nuevos datos acerca de la colaboración con el artesano forjador, Joseph-Marius Tiola.

28 de mayo > Pepe Karmel: Desde la hoja de metal hasta el hormigón: Picasso y el Brutalismo

 

§  4 de junio > Tomàs Llorens: Tallar el espacio, tallar la luz (Picasso y la tradición de la escultura recortada en el siglo XX)

§  11 de junio > Elizabeth Cowling y Lydia Corbett (más conocida como Sylvette): Posando para Picasso: Lydia Corbett conversa con Elizabeth Cowling La exposición será igualmente el tema principal de las visitas tituladas Charlas en el Museo, en las que se puede participar de forma gratuita al adquirir la entrada todos los jueves a las 18.00 horas. 

La escultura tardía de Picasso. Mujer. La colección en contexto.

Fechas: 11 mayo- 30 agosto 2009Comisaria: Elizabeth CowlingPrecio: 4,5 € (8 € exposición + Colección MPM) . Consultar descuentos.

Publicaciones: catálogo, folletoWeb: www.museopicassomalaga.org

Delacroix escribía

En “Les artistas de mon temps” Delacroix escribía:

“El conocimiento de las leyes de la creación artística no debe ser una traba sino, al contrario, debe liberar de la duda…”.

“El color es la vida, pues un mundo sin colores parece muerto. Los colores son las ideas originales, los hijos de la luz y de la sombra, ambas incoloras en el principio del mundo. Si la llama engendra la luz, la luz engendra los colores. Los colores provienen de la luz, fenómeno fundamental del mundo, nos revela a través de los colores el alma viva de este mundo”.

Negret, celebración del canto y el silencio

“Le debo haber iniciado en mí
un placer que me había negado:
la admiración por otro ser humano”.

(Camus a Char)

Por Samuel Vásquez

Negret ya cantó su canto.

Su voz es poderosa y su canción poesía.

No ha habido canto como éste que mezcle hondura y alegría en una misma voz.

En la fuente de su canto no abrevará la muerte.

Es este mismo brujo quien ha celebrado el sol para nosotros, y nos ha donado su luz lechosa que ilumina esta alba que no amanece, nuestro ya largo eclipse.

Ya creó sus trajes metálicos y el viento se dejó vestir, contento.

Ya soñó su sueño y nos hizo partícipes de él.

Ya nos regaló su magistral lección de independencia, elegancia y generosidad.

Hace unos años concluyó su obra. Su obra que “necesitaría cien años más para decir lo que necesitaba decir”.

“Unos decían que era un loco. Otros decían que era un genio. Y yo era un escultor” (Negret).

El silencio de sus manos me aturde.

El silencio de críticos y curadores post (que llegaron tarde al arte), entretenidos en demostrar que el ingenio de las variables es más importante que la aventura abisal de la creación, ofende. Su empeño en poner el divertimento al uso por encima del arte como expresión que manifiesta el encuentro ético, insulta la inteligencia. Ocupados en probar que ponerle la C de Cocacola a la palabra Colombia es un acontecimiento fundamental del arte, más necesario y significativo que la obra de artistas como Negret, Carlos Rojas, Doris Salcedo o José Antonio Suárez…

Pero ya los artistas han hablado. En cuántas y esclarecedoras conversaciones con Carlos Rojas me repetía la importancia de Negret en Latinoamérica y el ejemplo e inspiración que siempre fueron para él su obra y su actitud. Ramírez-Villamizar decía en una entrevista: “Cuando conocí a Negret, estaba enriquecido por esos dos años de experiencia con Oteiza, y todos esos conocimientos me los transmitió a mí, a su vez enriquecidos y elaborados por él. Ese encuentro fue importantísimo para mí y siempre lo consideré una de las cosas más maravillosas que me han pasado en la vida. Es el artista más original y más importante que ha existido en toda la historia del arte colombiano”. Jesús Soto y Sérgio de Camargo siempre reconocieron en Negret al gran plástico de Latinoamérica. El escultor vasco Jorge de Oteiza, uno de los más imaginativos teóricos del arte, ha dicho que “Negret es el más importante de los escultores en Latinoamérica y uno de los más grandes de la escultura contemporánea”. Y críticos de afuera también han hablado: Juan Acha dice, “Sin lugar a dudas, Negret ha gestado una de las obras más importantes del arte Latinoamericano y de las más actuales y bellas de la escultura mundial”; Damián Bayón, “Edgar Negret es uno de los principales escultores de este tiempo. Que se trate de uno de los nuestros, no puede dejar de llenarnos de legítimo orgullo”; y Marta Traba, “es, no solamente el mejor escultor de Colombia, sino el mejor de América Latina y una de las grandes figuras de la escultura mundial”. Y es que al revisar su obra y encontrar que entre sus navegantes, puentes, edificios, metamorfosis, vigilantes, escaleras, cascadas, andes, quipús, máscaras, lunas y otras, hay más de treinta obras maestras, nos indica que, sin duda, estamos ante un artista genial. Su escultura es inaugural (“poesía es un alma inaugurando una forma”) (Jouve): suprime antecedentes y comparaciones y, a la vez, es un puente con la cultura occidental: “Cada arte al profundizarse se cierra en sí y se separa. Pero este arte se compara con las demás artes y la identidad de sus tendencias profundas la devuelve a la unidad” (Kandinsky). El mismo Chillida, después de hablar sobre sus Peines del Viento, sus Homenajes a la Tolerancia y su retiro obligado de la portería titular de la Real Sociedad por una lesión en la rodilla, me decía, “el más importante e imaginativo escultor latinoamericano es Negret”.

Así como reconocemos en Matta, Lam, Tamayo, Reverón y Torres-García los pilares de la pintura moderna en Latinoamérica, hay que señalar a Negret, Goeritz, Soto, Clark y Fonseca, como las piedras angulares de la escultura entre nosotros. Sin duda, Negret es para América Latina lo que Anthony Caro y Eduardo Chillida son para Europa. Y es precisamente un estudio comparado de la evolución de la escultura de Negret con sus contemporáneos europeos el que nos revela de manera nítida su vitalidad, significación y pertenencia:

-Primera escultura abstracta: Negret 1950, Chillida 1951, Caro 1960.

-Primera escultura en metal: Negret 1949, Chillida 1951, Caro 1960.

-Primera escultura policromada: Negret 1956, Caro 1960.

-Primera escultura sin pedestal, puesta en el piso: Negret 1963, Caro 1960.

-Primera exposición individual: Negret 1943, Chillida 1954, Caro 1956.

-Premio de escultura en la Bienal de Venecia: Negret 1968, Chillida 1958.

Sólo que allá los escritores, los filósofos, las universidades, los directores de bienales, museos y encuentros, la empresa privada y hasta los grises funcionarios públicos han estado atentos a reconocer, estudiar, cuidar, divulgar y adquirir sus obras, mientras acá nuestros burócratas culturales y curadores están conmocionados con el portentoso concepto que hay detrás de la C de Cocacola y, en un indisimulable tráfico de influencias, gastan una enorme cantidad de dinero en obras y eventos carentes de sentido que son un ignorante agravio para la misma gente del arte en un país pobre como el nuestro. “La verdad no se opone al error, sino a las falsas apariencias”, nos dice Foucault. ¿No es una obligación de quienes detentan el poder económico, político y cultural haber adquirido desde hace mucho tiempo una serie suficiente y coherente de esculturas de Negret para que la gente del común pueda conocerlas, sentirlas, estudiarlas y, de paso, haberle dado así el reconocimiento y la compañía que tanto le han hecho falta? ¿No es una obligación insoslayable de quienes detentan el poder económico, político y cultural no permitir que su enseñanza ejemplar se diluya?

Pero su lección no ha sido sólo poética. Ha sido, sobre todo, humana, ética. “Ya no es sólo búsqueda estética, sino también, encuentro ético. (…) Sólo el gran arte es ético. Surge desde su origen como una necesidad expresiva. Y su fuente —la fuente de la que se nutre— no es lo exterior sino lo entrañable. No lo extranjero sino lo íntimo. Surge del ser y se afirma creando su propio terreno y fundando su propia verdad” (Montaña sobre Negret). Sus raíces, profundas y vivas, no proyectan sombras. Y como un ser verdaderamente ético, el hombre y el escultor caminan abrazados por el mismo sendero. Por ello el refinamiento, la alegría, la ausencia de nostalgia, son las mismas en obra y hombre. La belleza de la obra es la misma del alma del hombre. Entonces, sin reato alguno, amamos la belleza porque “la reconocemos como lo que verdaderamente es, no la diosa anémica de las academias sino la amiga, la amante, la compañera de nuestros días” (Camus).

Fuente:

Vásquez, Samuel. El abrazo de la mirada / Negret o la imaquinación, Premio de Ensayo Ciudad de Medellín, Fondo Editorial Ateneo Porfirio Barba Jacob, Medellín, septiembre de 2007.

 

Fuente “http://www.otraparte.org/actividades/arte/abrazo-mirada.html

Picasso subyugado por los fetiches

Vanguardia 1907

Picasso subyugado por los fetiches

 «Siempre se habla de la influencia de los negros en mi arte. ¿Qué puedo hacer? A todos nosotros nos gustan los fetiches. Van Gogh dice: el arte japonés, eso teníamos nosotros en común. En nuestro caso son los negros. Sus formas no tienen más influencia en mí que en Matisse. O que en Derain. Pero, para ellos, las máscaras eran unas esculturas como las otras. Cuando Matisse me mostró su primera cabeza negra me habló de arte egipcio.

“Cuando fui al Trocadero, fue increíble. Parecía el rastro. Y ese olor. Estaba solo. Quería irme. Pero no me iba y me quedaba. Me quedaba. Comprendo que era algo muy importante: me estaba sucediendo algo ¿no es verdad?

 “Las máscaras no eran unas esculturas como las otras. En absoluto. Eran algo mágico. ¿ Y por qué no los egipcios, los caldeas? No habíamos reparado en ellos. Eran primitivos, no mágicos. Los negros eran intercesores; conozco la palabra en francés desde aquellos momentos. Contra todo; contra los espíritus desconocidos, amenazantes. Yo siempre miraba los fetiches. Así comprendí: yo también estoy en contra de todo. Yo también pienso que todo es desconocido, enemigo. jTodo ! jNo sólo los detalles! Las mujeres, los niños, los animales, el tabaco, el juego… iSino todo! Comprendí para qué les servía esa escultura a los negros. Por qué esculpían de ese modo y de ninguna otra forma. Y no obstante ino eran cubistas! Puesto que el cubismo no existía. Seguramente, unos personajes habrían inventado los modelos, y otros les habían imitado, la tradición ¿no? Pero todos los fetiches servían para lo mismo. Eran armas. Para ayudar a la gente a no ser sometidos ya más por los espíritus, a ser independientes. Eran herramientas. Si damos una forma a los espíritus devenimos independientes. Los espíritus, el inconsciente (todavía no se hablaba mucho de ello), la emoción, todo es lo mismo. Comprendí por qué quería ser pintor. Solo en un museo repulsivo con máscaras, muñecas pieles rojas, maniquíes polvorientos. Les demoiselles d’Avignon debieron de llegar ese día pero no a causa de las formas: puesto que fue mi primera tela de exorcismo isí!»

 

Referido por ANDRÉ MALRAUX

en La téte d’ obsidienne.

Ed. Gallimard

Joan Miró

… entro en mi taller y soy atraído como por magnetismo… Un tubo de pintura en el suelo me atrae, necesito abrirlo, empezar cualquier cosa. Es algo inmediato. Estoy en mi cueva, estoy como un niño en su cueva”.

 

 “Considero mi taller como un huerto… trabajo como un hortelano o como un vinatero. Las cosas vienen lentamente. Mi vocabulario de formas, por ejemplo, no lo he descubierto de una vez. Se formó casi
a pesar mío”.

 

“Los dibujos que a veces hago antes de realizar algunas telas son un documento íntimo, por decirlo así, que me sirven para llegar a una depuración plástica completa, para conseguir así la verdadera expresión del espíritu. Una vez realizadas las telas, destruyo esos dibujos o los guardo para usarlos como trampolín para otras realizaciones, como un humilde obrero”.

 

Joan Miró

En http://www.revistadearte.com/2009/03/26/evocacion-de-la-imagen-femenina-de-miro-en-bancaja/

Hans Arp

La piedra del universo

 

Los cabellos blancos de las piedras. los cabellos negros de las aguas.

los cabellos verdes de los niños. los cabellos azules de los ojos.

las aguas cierran los ojos pues del cielo caen piedras y niños.

a las piedras a las aguas a los niños y a los ojos se les caen los cabellos.

las piedras tienen mantequilla en el bolsillo derecho y pan en el izquierdo

y todos las toman con gran seriedad por sandwiches.

los sandwiches de piedra llevan la raya a la derecha los sandwiches de agua

la raya a la izquierda y los sandwiches de niño llevan la raya al medio.

las piedras son mudas e ignorantes el agua no tiene carácter

y para qué sirve a los niños un clamor de pulga y a las miradas

un trueno de piojos

conscientes de su fuerza los cabellos se sientan a la mesa dispuestos a devorarlo todo.

blanco negro verde y azul son los colores del universo. hoy se usa llevar prados verdes

con calzado negro y cabellos azules

 prados verdes. cielos azules. zapatos negros. cabellos blancos.

zapatos negros de labios azules y botones azules.

barbas de cuatro colores en una sola persona como los cabellos

vivos de nuestro tiempo.

espacios azules de picos verdes y calzado verde.

la fuerza del león es blanca.

 la fuerza del fuego es blanca.

los ojos fieles de la fuerza son negros.

el negro es símbolo para el blanco.

el blanco es símbolo para el blanco. blanco significa lo mismo que hasta la vista

o cuándo me despertaré como flor con anteojeras

las campanas blancas responden con su carillón verde a las preguntas de los labios

o a las preguntas de los picos

la cobardía de la fuerza es negra como los ojos fieles de la fuerza.

los cuatro colores de las barbas son blanco negro verde y azul.

la velocidad de las piedras es azul.

la falta de carácter del agua es verde.

la carne de los niños es negra.

 el agua cierra los ojos pues del cielo caen piedras. las piedras caen sobre la cabeza

de los niños. los ojos caen del rostro de los niños. ahora los niños ya no

encuentran el camino del techo a la boca y de la boca al estómago

y del estómago a la bacinilla.

los cabellos blancos de las piedras están peinados. los cabellos negros del agua

caen en la sopa.

las piedras se dedicaron en seguida al trabajo negro. el sudor verde chorreaba

en cascada desde sus relojes azules y como daban las doce se hizo la limpieza

de los prados verdes y los cielos azules.

los zapatos negros están lustrados.

los cabellos blancos están peinados.

las piedras lavaron las salpicaduras de sangre con el agua sin carácter y así todo se olvidó

muy pronto y todo pudo recomenzar.

los cabellos blancos de las piedras. los cabellos negros de las aguas. los cabellos verdes

de los niños. los cabellos azules de los ojos.

los cabellos blancos de las piedras. los cabellos negros de las aguas. los cabellos verdes

de los niños. los cabellos azules de los ojos.

los cabellos blancos. los cabellos negros. los cabellos verdes. los cabellos azules.

las piedras. las aguas. los niños. los ojos.

cabellos de piedra. cabellos de agua. cabellos de niño. cabellos de ojos.

los prados verdes. los cielos azules. los zapatos negros. los cabellos blancos.

azul. verde. negro. cobarde y fiel.

 

Fuente : : http://www.epdlp.com/