Aproximaciones a la Psicología del Arte


Aproximaciones a la Psicología del Arte


Por Manuel Montoya

 I

“Un objeto estético tiene que presentar un cierto orden que no debe ser ni demasiado simple ni demasiado complejo; tiene que facilitar procesos de reducción de información, es decir, de descubrimiento de supersignos”. (Schuster & Beisl, Psicología del arte)

En 1995 la fabricante de autos japonesa Nissan estaba en serios problemas financieros. Las ventas descendían a pesar de que en las revisiones de los expertos y en las evaluaciones técnicas sus modelos punteaban más alto que los modelos de sus competidores americanos y europeos. Luego de una investigación y entrevista a miles de potenciales clientes la razón afloró: las personas consideraban a los modelos de Nissan como sosos y feos y estaban dispuestos a pagar más dinero por otras marcas de autos más ineficaces, pero que poseían una apariencia más deportiva. Luego de rediseñar todos sus modelos para dotarlos de una línea más moderna, Nissan superó sus problemas y repuntó en el mercado. Pocas veces pensamos en la importancia que posee la belleza para fines práctico. Esa es una lección que los japoneses tuvieron que aprender.

Ninguna psicología del arte existe por sí misma, la psicología del arte sólo intenta elaborar teorías sobre la actividad creativa y la perceptiva usando los conceptos y principios vigentes de la psicología científica. Mientras en inglés, las referencias son abundantes, en español, prácticamente no existen estudios al respecto, los escasos que se pueden contar son, en muchos casos, divagaciones pseudoliterarias cobijadas bajo el el estéril manto del psicoanálisis. Pero, ¿es posible elaborar una psicología del arte? o ¿el gusto individual es demasiado fragmentario como para permitirlo?

En realidad, los gustos estéticos no son tan individuales y caprichosos. Las pinturas de Rubens o Turner se subastan por millones, debido al hecho de que millones de personas desean poseerlas pues las consideran bellas. Si mostramos un conjunto de diez cuadros abstractos a un grupo grande de personas y les pedimos que seleccionen tres, nos encontraremos que existe una preferencia general por ciertos cuadros. No sólo eso, entre más similares sean la edad, el grupo étnico y el nivel socio-económico, más claro y constante se mostrará el grupo de cuadros elegidos. Esto refleja, además, que la valoración artística está firmemente vinculada al medio histórico-cultural de cada individuo.

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COVERGENCIAS ENTRE LAS VANGUARDIAS DE ESPAÑA Y COLOMBIA

Jose Carlos Rodrigo Herrera
Ldo. Historia del Arte


Mientras, en Colombia la estética decimonónica de principios del S. XX está representada en la figura de Ignacio Gómez Jaramillo inicia un proceso de renovación que le permitirá liberarse de las estructuras académicas vigentes y abrirse paso hacia la modernidad con influencias claras de Cézzane y Gaugín.

Años 20 y 30:
Los movimientos vanguardistas Españoles, empezaron a surgir tardíamente, sobre los años 20 del siglo pasado, y eso pese a que muchos de los creadores de estos movimientos primigenios, fueran de origen ibérico; eso es debido a que sus trabajos e ideas fueron desarrolladas en Francia y tardaron en ser admitidas en España; pese a todo, poco a poco fueron reconocidos y sobre la segunda década se puede hablar de una clara influencia de todos estos movimientos en el panorama artístico Español.
Muchas de estas nuevas tendencias estaban en clara contraposición del academicismos decimonónico que asentado en España desde el S. XIX; así estos reivindicaban una atención a la imaginación, a lo irracional, infantil, sentimiento; todo en pos de una nueva búsqueda de la expresión artística interior del artista, que ahora se sentía más libre que nunca al alejarse de la perfección realista que llevaba el arte desde casi sus orígenes.
Las vanguardias de esta época más importantes fueron el CUBISMO, el EXPRESIONISMO, el FUTURISMO, el DADAÍSMO; desarrollados antes de la 1º gran guerra; el SURREALISMO, apareció tras la 2º gran contienda militar Mundial.
Frente al arte figurativo naturalista decimonónico, surgen una infinidad de representantes de las nuevas tendencias artísticas Europeas; así, El Cubismo de Pablo Ruiz Picasso (quien también se interesó en otras tendencias más adelante), fue seguido por Juan Gris, María Blanchard y Luís Fernández, Alberto Sánchez y Ángel Ferran, y los escultores Julio González, Gargallo, Alberto Sánchez. El Contrustivismo fue representado por Joaquín Torres García.
El surrealismo español se representó principalmente por Dalí (quien no desestimó otros movimientos), Miró, Oscar Domínguez, Juan Ismael, Maruja Mayo, Gregorio Prieto, Moreno Villa, Benjamín Palencia, Alberto Sánchez y Ángel Ferrant. Picabia publicó en Barcelona la primera revista Dadaísta “391”, lo que señala la importancia de del Dadá en la España de las primeras décadas del S.XX.
El Futurismo entró en España gracias a Ramón Gómez de la Serna, y su revista Prometeo, aunque nunca llegó a existir en España un Futurismo puro. El expresionismo esta representado principalmente por José Solana, Picasso

Pero en 1936 surge la Guerra Civil, y hay un paro casi absoluto en toda la producción artística, desarrollándose solo el cartelismo como propaganda de guerra con importantes ejemplo en la vanguardia del diseño.
La Escuela de Vallecas, con sus tintes vanguardistas representados por Alberto Sánchez, Benjamín Palencia, Maruja Mallo, que fueron de pocos focos artísticos contemporáneos que consiguieron reaparecer tras la guerra civil.

Mientras en Colombia, las nuevas generaciones nacidas en las primeras décadas del pasado siglo, asumirán plenamente con las vanguardias europeas, así surge sobre los años 30 un grupo de autores con gran espíritu nacionalista, de los que resalta Luís Alberto Acuña, Carlos Correa, Alirio Jaramillo, Gonzalo Ariza y Sergio Trujillo Margnenat. Pedro Nel Gómez nota un fuerte Expresionismo, hace murales y esculturas con temas populares, mineros, barqueras, maternidades y violencia. También resalta y Débora Arango (con óleos y acuarelas con temas políticos, prostitutas, maternidades grotescas, caricaturas religiosas y políticas), 
En la escultura destacan Ramón Barba, José Domingo Rodríguez, Rómulo Rozo, que son además los primeros modernistas colombinos.

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Los curadores salvajes

Por —Lucas Ospina

 Los curadores salvajes

En 1987 un hombre asistió una (sola) vez a una sesión de yoga; ahora, cada vez que se aborda el tema, el hombre asegura estar en la practica desde hace más de dos décadas. A un candidato a la presidencia de Estados Unidos le preguntaron si había fumado marihuana, respondió afirmativamente pero aclaró que no había inhalado el humo ni sentido sus efectos. A alguien le preguntaron por las mejores películas de cine colombianas y dijo que le era imposible responder porque en el país hay más directores que películas.

En Colombia algunos artistas que han producido una que otra exposición reciben el grado de curadores y es porque en muchos casos han logrado concretar provocadoras constelaciones de formas e ideas que van más allá de los ejercicios usuales de montaje e ilustración. Pero, si con eso basta para ser curador, si cambiar la ficción del curador por la del artista-curador es la solución, la curaduría corre el riesgo de convertirse en un acto tan oportunista como el del hombre que por hacer yoga una vez se da por consumado practicante, tan risible como el del presidente que se la fumó sin fumarla, o tan estéril como el del país donde hay más directores que cine.

Es claro que algunas de las mejores exposiciones hechas en Bogotá en los últimos años han sido curadas por artistas: Fausto, curaduría: Nadín Ospina (1993); Manuel Hernández, curaduría de Danilo Dueñas (1997); Interpretación / El arte de la gente, curaduría: Mauricio Cruz (1997); El paisaje interpretado, curaduría: Rafael Ortiz (1997); Escenas de caza, curaduría: Jaime Iregui (1998); El soporte invisible, curaduría: Miguel Huertas (1999); Historias, escenas e intervalos, curaduría: Juan Fernando Herrán (2000); Tránsito, curaduría: Gustavo Zalamea (2000); The Best Way to do Art, curaduría: Bernardo Ortiz, Elías Heím (2002); Tiempos de paz, curaduría: Beatriz González (2004), Carlos Rojas: una visita a sus mundos, curaduría: Nicolás Gómez, Felipe González, Julián Serna (2008). Un artista hace una exposición con obras propias o, para el caso de la curaduría, con obras ajenas. Los artistas comparten el mismo instinto táctil de curadores, galerístas y coleccionistas: tocan, manipulan y ordenan las obras. Los artistas actúan dentro de la curaduría pero al mismo tiempo no se sienten atados a ella por una devoción especial, tienen una irreverencia —por la historia, la cultura y el mercado— que tiene consecuencias afortunadas, les basta el hecho de sentirse distintos para innovar. Pero, tal vez con la excepción de Beatriz González, las exposiciones curadas por artistas han sido astros solitarios en sus carreras, chances ocasionales, ideas que en su momento reclamaron una curaduría y un formato exposición. La curaduría es más que exposiciones, es el sistema circulatorio del arte y si la circulación se limita a los logros esporádicos y aislados de unos artistas-curadores, es lógico que el cuerpo del arte tenga un estado de salud frágil, cercano a la anemia. Si solo los artistas curan, el paciente terminará por enfermar.

Luego de la Documenta de Kassel de 2002, un sitio de Internet pidió a varios artistas comentar la siguiente afirmación: “La próxima Documenta debería ser curada por un artista” (en http://www.e-flux.com/projects/next_doc/cover.html). Muchos artistas mostraron entusiasmo por la posibilidad, pero algunas intervenciones fueron escépticas y replicaron que el cambio de curador a artista era solo un juego de palabras, útil para especular, polemizar o soñar, pero inútil en términos prácticos. ¿Qué artista va a tener el tiempo y la disposición para viajar, analizar, leer las obras de otros y luego escribir una plataforma, publicitarla, hacer una propuesta de montaje y supervisar en detalle su instalación? El artista que tenga cinco años para dedicarse a esa labor de forma consistente y comprometida ya no será más un artista, será un curador, así como el que hace yoga, día a día, después de un tiempo será ya un juicioso practicante, el que fuma marihuana, día a día, será un adicto consumado o el que día a día le dedica todo a una película correrá el riesgo de convertirse en un verdadero director de cine.

La curaduría es una práctica constante, una disciplina, un ejercicio concreto. Así como la práctica de la crítica permite todo tipo de circunloquios y de tonos narrativos, que van desde el análisis metódico hasta la injuria, la curaduría también puede travestirse con todo tipo de ropajes, pero día a día hay más artistas, más exposiciones, más investigaciones, y la responsabilidad de encontrar y rescatar entre esas innumerables canteras las muy pocas excepciones que dan sentido al arte es cada vez mayor. La curaduría debe estar en capacidad de sopesar, reconocer, acentuar y mostrar esas novedades. A tal labor de observación no le espera una tarea breve: necesita de un aparato crítico de igual o mayor envergadura que el del objeto de estudio y si quiere ganarse el crédito de curaduría tendrá que mirar, traducir, articular y hacer público lo que otros hacen.

La labor de los artistas-curadores tiene límites, lo mismo se puede decir de la actividad que desempeñan toda una serie de antropólogos, gestores culturales, diseñadores e historiadores que fungen como curadores y que a pesar de tener una actividad continua, apasionada y versátil, ofrecen resultados poco consistentes en sus “investigaciones” (al menos para imaginar el arte, pues en los negocios, los estudios culturales, la gestión, el diseño y la historia sus servicios visuales y galimatías conceptuales siguen siendo apetecidos).

El paso por un semestre de introducción a la medicina no puede producir sino practicantes asesinos, graduar a los artistas de curadores no es el camino. Se necesitan curadores, nada más ni nada menos.

Publicado en Periódico Arteria #18

Fuente: http://esferapublica.org/portal/index.php?option=com_content&task=view&id=947&Itemid=1

El arte contemporáneo y la noción de la diferencia

Por José Manuel Springer

 

 

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Dentro del indigesto panorama del arte contemporáneo confluyen dos tendencias generales. La primera tiene que ver con la estética tal y como se practicó durante el periodo moderno, basada en la experiencia de la formalidad como algo que trasciende lo real y lo natural. La segunda está más relacionada con la experiencia del goce , como principio de un arte de la diferencia, un arte con presupuestos y aspiraciones distintas al arte moderno.

Aunque estas tendencias están estrechamente interrelacionadas, y con frecuencia confluyen en un solo autor e incluso en una misma obra, para los fines de este artículo me concretaré a establecer una diferencia tajante, a fin de esclarecer o eliminar la indigestión que provoca la enorme variedad de obras y artistas, que percibimos de manera simultánea y desordenada en exposiciones colectivas, individuales, arte de sitio específico, arte de la red, ferias de arte, bienales, a través de los medios, en prácticas tradicionales y soportes tecnológicos sofisticados.

Mi punto de partida tiene que ver con la estética, en el sentido que imprimió el filosofo Immanuel Kant a dicho término, como un estudio de la forma perfecta, del balance adecuado y, en términos particulares como apreciación de lo artístico a partir de valores trascendentes. Sería un poco injusto decir que la filosofía kantiana ponía mayor énfasis en las habilidades del intelecto para captar lo bello que en las sensaciones corporales o las pulsiones mentales, pero dado que sus juicios y críticas se oponen dialécticamente a conceptos posteriores como la estética pragmática y racional de Hegel y el materialismo histórico, la simplificación me parece válida para el ámbito de este artículo Kant ve el mundo desde la armonía, la regularidad y la unidad orgánica. Esos puntos de vista sobre la función de lo bello y su relación con la realidad se transmitieron de generación en generación, de un continente a otro, y se aceptaron, muchas veces en forma ingenua e inconsciente, incluso dogmática, hasta por las vanguardias modernistas del siglo XX, con todo y su actitud iconoclasta y rebelde.

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Hoy somos testigos de que el arte contemporáneo de manera disciplinada o intuitiva efectúa una crítica y una ruptura con el modelo kantiano. Lo hace de prácticas intuitivas desde la pintura neoexpresionista o transvanguardista, imitando el modelo de la cultura popular (el arte Pop), o de manera consciente y propositiva al interpretar la obra de arte como un texto (el llamado arte conceptual), pero a fin de cuentas un objeto, que establece su valor por medio de la explicación fenomenológica o la metafísica.

Así que mientras la estética moderna sigue el modelo kantiano y deviene en un arte en el que se prefigura la ausencia de conflicto, en el que el dolor y el conflicto están por lo menos suspendidos en la obra de arte, en la práctica artística contemporánea se subraya con una precisión aguda o con solo un apunte el rechazo al orden, e incluso la repulsa a un sistema bipolar (lo feo Vs lo bello, lo útil Vs lo accesorio) complicando -y regocijándose en ello- la percepción del mundo, rebosando la experiencia estética de tal manera que el universo se nos presenta en partículas libremente asociadas, relativamente significativas e incluso proponiendo la ausencia total de sentido. Ejemplo de esto es la estética de la Internacional Situacionista que propugna el azar y la circunstancia, enemigas/aliadas del dato y el objeto concreto. La experiencia estética deja de ser producto de un orden orgánico para someterse al arbitrio de lo diferente. El arte se convierte en el terreno de exploración de la diferencia, del no yo, del no nosotros, para girar en torno de lo neutro.La paradoja y la parábolaSumido en ese mar de posibilidades la tarea del artista o del teórico se antojan borgianas. No existe un límite o un orden aplicable a menos que el mismo se encuentre incluido ad infinitum en su propia explicación, recluido en sus propias fronteras.

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De la apreciación de la belleza como forma del conocimiento

Por José Manuel Springer

En el último siglo el ideal de la belleza ha dejado de ser relevante en varios campos de la producción cultural y en algunas disciplinas del arte, concretamente en las artes visuales. No obstante, El ideal de la belleza sigue siendo, junto con la justicia y la verdad, uno de los valores por los que se guía la acción humana, la teoría y la creatividad, pero los conceptos y categorías de lo bello han cambiado drásticamente.

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Llama la atención que las artes visuales hayan dejado la consecución del ideal de la belleza como fin, dando énfasis a la búsqueda de una praxis libertaria como meta. Esto ha generado conceptos de belleza alternativos y nuevas categorías estéticas diversas, que constituyen parte de la experiencia estética aunque no son centrales para la producción artística, como lo fueron en los siglos anteriores. Sin embargo la experiencia estética, la capacidad para percibir lo bello y actuar ante ello, continúa dominando nuestros consumos artísticos y visuales.

Hoy la belleza como concepto y origen de categorías estéticas experimenta dos tendencias: una, ampliar su variedad para incluir tipos que anteriormente no eran considerados como bellos, por ejemplo los objetos de producción masiva industrial; dos, se ha reducido la experiencia estética a la experiencia del placer (aquello que es agradable), ignorando las complejidades de la sensibilidad y la percepción. Ambas tendencias no son análogas, sino complementarias.

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¿Qué es lo que originó este cambio de énfasis en la cultura y las artes visuales? Los objetos bellos no tienen características comunes, sino formas y características diferentes, por lo que no puede concebirse un concepto general de belleza. A pesar de ello, podemos hablar de rasgos comunes en la experiencia estética y establecer un marco amplio del criterio estético y de las categorías en que este se aplica.

Si la teoría de la belleza es el terreno de la estética, la experiencia de la belleza es objeto de la sicología. Está ligada a los modos de percepción y racionalización (categorización). En el siglo XIX la experiencia estética era circunscrita a lo sentimental (de ahí la profusión de Romanticismo) en contraposición a la experiencia estética del siglo XVII, en la que el orden de los elementos y la estructuras era central (por tanto el Barroco y el Neoclasicismo imperantes). No obstante, en ninguna época ha habido tantas categorías estéticas como la actual y esto se debe a una ampliación del estudio de la psicología científica (la sicología empírica existe desde la antigüedad clásica) y la ampliación del cúmulo de estímulos, sobretodo de imágenes.

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35 Años haciendo Esculturas

Exposición de Esculturas Maestro Miguel Angel Betancur TLugar Casa de la Cultura de Envigado MIGUEL URIBE RESTREPOCra 45 # 34 A sur 65 Envigado,Ant, ColombiaDe Julio 15 al 6 de agosto de 2008Con ésta exposición el Maestro se celebra sus 35 años de labores ininterrumpidas dentro del mundo de la Escultura

Es una exposición donde se podrán apreciar más o menos unas 45 esculturas en diferentes materiales tales como arcilla, terracota, piedra, mármol, granito esmerilado y concreto.Para el Escultor Miguel Angel Betancur LA MUJER ha sido el tema de su vida, 
el motor que lo ha impulsado, lo ha inspirado
, lo ha llevado a trabajar casi frenéticamente, a ella le debe gran parte de su obra escultórica.
 Ella ha sido todo. Rinde con sus esculturas un homenaje a esa MUJER.El cuerpo de la mujer ha sido un pretexto para un análisis, para preguntarse acerca de su qué hacer frente al arte y la sociedad. Sus esculturas de mujeres no son ninguna mujer en particular, está idealizada, es la búsqueda de la bondad, de la belleza misma a través de sus formas y el encuentro consigo mismo a través del trabajo continuo y la investigación constante.Vemos en la exposición esculturas en piedra y mármol, tallados directamente, con un sentido libre de apreciación y cierta abstracción de la figura .Con un sentido muy arraigado de respeto al material.En las esculturas de terracota hay un sentido más realista y preciosista de la figura, es un trabajo consciente de la búsqueda y entendimiento de la estructura interna de esa bellas formas femeninas.En las esculturas de granito esmerilado y en concreto patinado es un encuentro logrado por la experimentación y búsqueda de más de 35 años como escultor activo. Allí está la mujer más depurada, limpia e integrada al conjunto, dejando atrás los formalismos o reglas académicas. Aquí se llega a la justeza del diseño y material, buscando la armonía y el contraste de luces y sombras; además el manejo del material, en un equilibrio total queda como resultado una escultura muy arraigada al sentimiento y pasión por ella.

El Escultor Miguel Angel Betancur T.

Por Walter correa

Miguel Angel Betancur es es un nombre que es muy común en nuestro mundo de las artes plásticas, porque desde su cuna ha estado vinculado a él por razones muy especiales: es hijo de uno de los escultores más connotados del arte colombiano, el maestro José Horacio Betancur, de su padre heredó la vena artística y el amor por los materiales duros que utilizaba el gran escultor en la elaboración de sus obras, también desde muy temprana edad aprendió a manejar el cincel y demás herramientas para moldear los mencionados materiales.Siempre se ha sentido orgulloso de su ascendencia pero nunca ha tratado de imitar la obra de su progenitor y mucho menos de aprovecharse de su buen nombre; Miguel Angel ha seguido su propio camino y con su propio esfuerzo y talento se ha hecho también merecedor de un sitial en el campo de las artes visuales. No ha tenido profesión distinta a la de escultor, a la cual se ha dedicado toda su vida y con la cual ha logrado realizarse y ser respetado y acatado entre sus colegas.Este maestro ha hecho obras monumentales para entidades públicas y privadas y muchas de sus obras están en espacios públicos en variadas ciudades del país como también en algunos museos.La obra de Miguel Angel se destaca por la finura con que trata el material, el cual respeta y aprovecha hasta el máximo. A este artista no se le puede matricular en una determinada escuela, pues si bien tiene rasgos académicos,aparecen con frecuencia abstracciones y su toque muy personal de cómo comprende y entiende este complejo mundo del arte.Este maestro ha sido por siempre amante de la naturaleza y por ende de la mujer a la cual la ha dedicado gran parte de su creación artística y la ha moldeado en mármol, arcilla, terracota, piedra, granito esmerilado, hierro, bronce, de ahí que sus mujeres son distintas, no repetitivas y de caracteres muy diferentes, carecen de razas, son el símbolo de la mujer universal que no necesita de lemas publicitarios que la limiten, en resumen la verdadera mujer reina del universo, por eso él con su obra ha sido uno de los artistas que más ha resaltado el valor de la mujer en la historia de la humanidad.

Medellín, Octubre 16 de 2007

Ser artista oficial, alternativo o marginal?

Ser artista oficial, alternativo o marginal? Ese es el dilemapor Manuel Zavala y Alonso

El artista no escoge el serlo, tiene la necesidad interior de serlo, está más allá de su voluntad; el ser artista es una cuestión de destino o de maldición, puede tener obras buenas y malas, finalmente su condición irreductible es la de ser artista. ¿Qué es un artista?Es el que crea imágenes que están más allá de lo nombrable; es el que explora las fronteras de los lenguajes y estructuras de las palabras, cuerpos, movimientos, colores, sonidos, espacios, tecnologías, formas e historias; es el que desarrolla discursos que señalan esto y aquello de la sociedad en proceso, independiente de su postura política; es el que renuncia a las formas pervertidas de mercados, marcando en su hacer, una postura de renovación continua y no de repetición de estilos que lo lleven al éxito seguro; el ser artista es una postura, una condición categórica en el individuo; de cierta manera un apostolado, que se verá afectado por la diversidad de elementos de la cotidianidad y de la manera de operar del sistema, llevándolo a elegir entre tres opciones posibles: ser artista oficial, alternativo o marginal.

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INSTRUCCIONES PARA CONVERTIRSE EN UN ARTISTA POSTMODERNO

por Carlos Yusti
”Me siento avergonzado de muchas obras de arte actual” 
E. Gombrich

En el complejo mundo del arte actual (postmoderno y neoliberal para darle una etiqueta para aquellos preocupados por clasificaciones sumarias y síntesis rotundas) el mercado artístico, el cual engrana en su enrevesada relojería a Museos, galerías privadas, bienales, casas de subasta y cualquier empresario japonés con veleidades de mecenas tardío, ha creado eso del “Artista profesional”. Aunque el concepto se fue cocinando mucho antes con la creación de la Historia del Arte, y perpetrado por reputados profesores universitarios(alemanes, ingleses y franceses) adquiere su perfil decimonónico durante el siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX.Los grandes artistas clásicos, archivados por la historiografía del Arte, no eran profesionales de arte, en el sentido subrayado el término, y aunque vivían de su arte para sus contratadores y mecenas como príncipes, reyes y prelados eran artesanos, muy dotados, pero en la misma escala de los pajes, sirvientes y cocineros.Con la modernidad los artistas trataron de no sólo de sobrevivir a través de su trabajo artístico, sino de labrarse una reputación artística tan importante como cualquier otra. Para ello primero trató de romper con los viejos arquetipos de la pintura y la esculturaclásica: perspectiva y formas que buscaban la perfección y la belleza. Luego cuestionó los parámetros inamovibles de la belleza como herencia griega y por último se asomó a la ventana y miró más allá de su estudio y comprendió que aparte de artista sería un cuestionador consumado de la sociedad con sus falaces dogmas y sus desmagializadas normativas. Entonces el artista también asume la vanguardia como ideario estético y político. Ser vanguardista era ir al ritmo de lo nuevo, de todo aquello que abría fisuras en la dura corteza de las conciencias cortesanas del momento.

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De nuevo con ustedes

después de un largo receso vuelvo con ustedes !!!Palabras leídas por mí el Día Sábado de la semana anterior , en la Inauguración de mi grupo escultórico ” Bolivar y La Libertad” colocado en el Parque Principal de la Ciudad de Envigado, Antioquia-Colombia. Buenos días señoras y señores ¡!!!Como creador y ejecutor de este grupo escultórico deseo participarles mi alegría del deber cumplido primero que todo al señor Alcalde Héctor Londoño Restrepo, a su grupo de colaboradores, al Centro de Historia de Envigado y por supuesto al Doctor Jorge Iván González alma y nervio de una escultura a Simón Bolivar desde hace más de 20 años.Hoy vemos cristalizados todos esos sueños e ideales en mi escultura.Es un grupo escultórico que tiene en todos sus elementos que lo constituyen connotaciones muy claras de pertenencia Envigadeña.Es una obra de arte tridimensional que nos obliga a recorrerla en todos los sentidos y nos hace participe de todos sus elementos constitutivos , como :–El Libertador, Don Simón Bolivar y Palacios. Se trata de un Bolivar pacifista, amable, humano, cercano y amigo de todos, un ciudadano más, que lleva en sus manos el pergamino de la constitución expedida en Envigado en 1815.–Una mujer, en período de gestación, que ofrece una corona de laurel al Padre de la Patria y que representa a la comunidad de Envigado. Está en estado de gravidez mostrando la fecundidad de nuestra raza y cubierta por una túnica que en la parte posterior ondea como la bandera de Envigado.—Un Esclavo semidesnudo con las cadenas rotas, simbolizando los derechos a la igualdad y a la libertad que defendieron con ahínco nuestros próceres José Félix de Restrepo y José Manuel Restrepo Vélez. El esclavo a más de agradecer con su mirada a quien le hace libre, le ofrece las cadenas rotas como símbolo de su fidelidad.Los tres están unidos en un abrazo de armonía y cordialidad. Envigado y el esclavo miran al Libertador agradecidos y éste les retribuye ese saludo acogiéndolos con fraternidad.Todos ellos soportados por unos elementos geométricos rectángulares que recuerdan puntas de vigas y no olvidemos que el nombre de En-vigado viene de ellas.Para terminar esta breve introducción a mi escultura hago participe a ustedes de mi pensamiento escultórico.FILOSOFÍALa Escultura, para mí …es el arte de ennoblecer las cosas sencillas y cotidianas, es el arte de la sinceridad y la veracidad, es el arte donde todo es posible por la magia de los sueños, es el arte de participación, de comunidad, de gozo, de alegría y compañerismo.Las formas Escultóricas de por sí viven y sueñan, gozan y sienten, siempre y cuando el Escultor viva, goce y sienta lo elemental, sencillo y valedero de un trabajo ennoblecedor y capte la esencia del medio, del paisaje que a diario nos brinda la naturaleza, que razone y discierne, y eleve con su ejemplo lo elemental del percibir humano.El Escultor no debe pretender encontrar lo nuevo, debe hallar su propia identidad, que está ahí en sus obras que son su presencia concreta .El Escultor debe amar su trabajo como ama la vida, debe compartir como comparte en sociedad, debe soñar como añoran los seres queridos aquellas cosas amadas, debe nutrirse de las cosas queridas que tiene la vida.Las Obras Escultóricas son vivencias, son hechos concretos, son reales, son formas, son vida, no son ni muerte ni destrucción del ser.Los Materiales son agentes que permiten al Escultor la realización concreta de todos sus sueños y paisajes en su momento.Los Temas son la identificación personal, son la respuesta a los interrogantes íntimos en su existir.La Escultura es detener el tiempo, es recordar el pasado, es vivir el presente, es proyectar el futuroLa escultura es mi vida, realidad y amor.Gracias…Miguel Ángel Betancur TamayoEscultorAgosto 11 de 2007.