El orgullo del arte contemporáneo

El orgullo del arte contemporáneo

MARTES, 09 DE JUNIO DE 2009 07:56 HOYESARTE.COM

 

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Hoy comienza en Basilea (Suiza) Art Basel, la feria de arte contemporáneo más importante del mundo, que en esta edición cumple 40 años sin aparentes señales de crisis. De hecho, el banco suizo UBS sigue sigue siendo su principal patrocinador, pese a que su sección de asesoramiento de arte ha tenido que cerrar debido a la crisis. Incluso los premios para los dos mejores proyectos del área Art Statements, destinados a promocionar a artistas jóvenes, subieron de 5.000 a 30.000 francos (20.000 euros).

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Otro dato: mientras que encuentros similares se quejan de la asistencia de menos galerías, en Basilea solicitaron un stand 1.100. Prácticamente el cien por cien de los galeristas del año pasado han vuelto a solicitar un espacio. Además, la lista de participantes se amplió a expositores como Knoedler & Company de Nueva York. En total, se darán cita en Basilea 300 galerías (9 de ellas españolas) que mostraran la obra de más de 2.500 artistas de los siglos XX y XXI. La organización estima que el número de visitantes rondará los 60.000.

 Retroceso positivo

 

“El retroceso de entre un 20 y un 30% en los precios es visto en Basilea y en el mundo especializado como positivo. Una vuelta a la normalidad. Estamos de nuevo en el nivel que habíamos alcanzado hace unos pocos años. Eso atrae a coleccionistas que en los últimos años se habían apartado”, afirma Samuel Keller, su ex director. “Cuando el mercado estaba sobrecalentado, algunos prestaban menos atención que ahora a la calidad. Ahora, la gente quiere obras maestras”, considera el actual codirector de Art Basel, Marc Spiegler.

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En este año de crisis, el temor de los compradores se notó en las subastas de primavera de Sotheby’s y Christie’s en Nueva York. En el caso de la segunda, el volumen de negocio se redujo a 93,7 millones de dólares, un tercio en comparación con 2008. En Sotheby’s la cosa fue aún peor: en vez de 362 millones de dólares se recaudaron 47.

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Basilea (Suiza). Art Basel.

Del 10 al 14 de junio de 2009.

La autoría de Miguel Ángel, a examen

La autoría de Miguel Ángel, a examen

Incertidumbre sobre el crucifijo que adquirió Italia por más de 3 millones de euros

Roma, 08/06/09 La Justicia italiana investiga la autoría de un crucifijo atribuido a Miguel Ángel. El Tribunal de Cuentas ha abierto una investigación para determinar si la pieza que adquirió el Estado por 3,2 millones de euros pertenece realmente al escultor toscano.

El crucifijo es una escultura de madera de 41,3 centímetros de alto por 39,8 centímetros de ancho. Los expertos datan la obra en el año 1495.

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Se trata de la cruz que el Papa Benedicto XVI presentó el pasado diciembre en El Vaticano con todos los honores. La misma que pasó varios días en la Cámara de los Diputados de Italia y recorrió cientos de kilómetros en el Giro de Italia antes de estar expuesta en Trapani, Palermo y Milán.

La obra fue adquirida por el Ministerio de los Bienes Culturales en un anticuario de Turín en una compra que no estuvo exenta de críticas. Ya desde el principio los expertos y estudiosos de Miguel Ángel pusieron en duda la autoría del crucifijo. Ahora, no se habla de otra cosa en los círculos romanos.

Tanto es así que Pasquale Lannantuono, el procurador general de la Corte de Cuentas de Lazio ha decidido investigar el caso. «Queremos verlo todo claro, por eso hemos iniciado una instrucción», declaró.

No obstante, el actual ministro de los Bienes Culturales y responsable de la adquisición de la obra, Sandro Bondi, afirma no tener ninguna duda sobre la autenticidad del crucifijo.

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Desde que surgieron los interrogantes sobre la autoría de la pieza, son muchos los expertos que han ofrecido sus opiniones al respecto. Paola Barocchi, estudiosa de Miguel Ángel, confirma que se trata de una «obra serial» mientras que la historiadora del arte Mina Gregori rechaza que haya sido realizada por el escultor toscano e invita al Estado a devolver la obra.

Gregori fue la experta que convenció a la Casa de Ahorros de Florencia para que no adquiriese el crucifijo cuando el anticuario turinés se lo ofreció.

Alessandro Nova, director del prestigioso Kunsthistorisches Institut di Firenze afirma estar «pasmado» por la compra del Ministerio. Por su parte Massimo Ferreti dice estar “lleno de interrogantes”, si bien en un principio aceptó al escultor italiano como autor de la obra.

Por el momento, la pieza permanece ajena a todo este debate y se encuentra expuesta en Nápoles. Debería viajar a Florencia para exponerse en julio en el Museo Bargello. Sin embargo, la directora del museo, Beatrice Paolozzi, se muestra escéptica sobre este punto, ya que no ha recibido ninguna comunicación oficial de la llegada de la obra. Sus palabras acerca de la autoría del crucifijo tampoco despejan las dudas: «Seguro que es de buena calidad, pero no soy una entendida en Miguel Ángel y no me pronuncio».

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Polémicas aparte, habrá que esperar a que los tribunales se pronuncien para saber si en la cartela de la obra se podrá leer «Miguel Ángel» o «Atribución anónima».

 

 

Fuente”http://www.arsmagazine.com/090608-N1.html

 

La Escultura De Caballo Loco. (la Escultura Mas Grande Del Mundo)

LA ESCULTURA DE CABALLO LOCO. (LA ESCULTURA MAS GRANDE DEL MUNDO) DESPUES DE 50 AÑOS EN CONTRUCCION… AUN NO ESTA TERMINADA!

 

CABALLO LOCO (Tasunka witko ), ERA EL JEFE INDIO DE LOS SIUX.

 

Crazy Horse memorial sculpture, la que va a ser la escultura más grande del mundo, en Black Hills, Dakota del Sur, USA…

 

medirá 195 m. de largo por 172 m. de alto, la cabeza del caballo medirá 27 m.

Korczak Ziolkowski comenzó a esculpir la cabeza de Caballo Loco hace 61 años.

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Korczak Ziolkowski, hijo de inmigrantes polacos que, como tantos otros, habían viajado a América en busca de un futuro mejor. Tras unos comienzos difíciles, el joven Korczak llegó a trabajar como escultor y dinamitero en el Monte Rushmore, en 1924.

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El perfil ceñudo de Caballo Loco se adivina desde lejos, encaramado a aquella mole de roca que cabalga con brío sobre el verde mar de las Colinas Negras. Su rostro gigante, perfectamente pulido sobre el granito, es tan alto como un edificio de nueve pisos. Su brazo extendido, apuntando al infinito, abarca lo que un campo de fútbol. Aunque lo más arduo será dar forma al caballo, dibujado antes de morir por Korczak Ziolkowski, el artista que quiso dedicar al gran jefe indio la estatua más colosal sobre la faz de la Tierra.

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Hasta 50 años han hecho falta para morder ocho millones de toneladas de piedra a la montaña, y pasará otro medio siglo hasta que veamos completo el sueño de Korczak, en el que siguen trabajando su mujer, Ruth, y siete de sus 10 hijos.

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En el impresionante monumento a Caballo Loco se dan la mano dos leyendas, la del gran jefe sioux y la del propio Korczak Ziolkowski, que llegó a estas tierras mágicas arrastrado por una especie de sortilegio. Korczak, hijo de inmigrantes polacos, comenzaba a descollar en el mundillo artístico de Nueva York, años 30, cuando recibió un inesperada llamada de los sioux lakota. El gran jefe Henry Oso Erguido deseaba comentarle una idea: dedicar una estatua gigantesca al más ilustre de sus ancestros, Caballo Loco.

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«Quiero que el hombre blanco sepa que los pieles rojas también tenemos nuestros héroes», le dijo Oso Erguido, que lo puso al corriente de las grandes hazañas de Caballo Loco, del histórico repaso que le hizo al general Custer en la batalla Little Big Horn (1876), de las resonancias míticas de su nombre, símbolo mismo de la resistencia india hasta que fue capturado y asesinado, cobardemente por la espalda, en un campamento de Nebraska.

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En el momento de su muerte, Caballo Loco debía de tener 34 o 35 años. Nadie lo fotografió ni se dejó hacer retratos. La única manera de adivinar su aspecto era a través de cinco guerreros indios, muy ancianos, que lucharon a su flanco en Little Big Horn y que aún vivían.

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Korczak escuchó hechizado la historia, y pidió algo de tiempo. Se alistó como voluntario durante la Segunda Guerra Mundial. Nada más volver a Norteamérica sintió la llamada de Caballo Loco y supo que ese sería el proyecto de su vida.

 

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Korczak rumiaba ya la idea de hacer algo distinto a los bustos egregios del Monte Rushmore, algo imponente y desafiante, que superara en altura al famoso monolito de Washington. El escultor hizo un boceto que llegó al alma a los sioux: Caballo Loco, a lomos de su corcel y apuntando con el brazo izquierdo «a las tierras donde yacen» sus muertos.

 

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El primer año lo dedica Korczak a colonizar su montaña con el mismo espíritu de los buscadores de oro del lejano Oeste. Su casa será una pequeña tienda de campaña, y día tras día trabaja infatigable en la construcción de una escalera de madera de 741 peldaños para llegar a la cima.

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 En mayo del 48 llega por fin la primera explosión, que hace saltar por los aires 10 toneladas de granito. Por aquel entonces se une a la tarea titánica su mujer, Ruth, y juntos deciden echar raíces a los pies de Caballo Loco.

 

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Despacio, aunque seguro, Korczak va ganándole la batalla a la montaña a golpe de dinamita. Subsiste a base de donaciones y rechaza una millonaria subvención del Estado, porque no quiere que los federales se apropien de su proyecto y traicionen la causa india.

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Muchos lo tachan entonces de loco y lo comparan con el capitán Achab, a la caza de la ballena blanca.

 

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Pero el escultor, que va adquiriendo un aspecto de genio alucinado, persiste en su labor y embarca en la aventura a sus hijos, 10 en total. «Si empezáis algo en vuestras vida, haced lo posible por acabarlo», es el lema que les inyecta en la sangre. En vez de apagar velas, los niños celebran sus cumpleaños con detonaciones.

 

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De todos los hijos, hay uno que sale especialmente díscolo, Casimir. A los 16 años, sentado en el borde de lo que será algún día el dedo de Caballo Loco (entonces había que echarle muchísima imaginación), Casimir proclama: «¡Esto es una locura!», y decide dejar atrás el delirio de piedra de su padre.

 

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Al cabo de los años vuelve, y siente el mismo y misterioso tam-tam de las Colinas Negras, y su destreza con los explosivos lo convertirán en digno sucesor de Korczak, herido ya de muerte por su amor a la montaña: decenas de huesos rotos, cuatro operaciones de espalda, artritis crónica, dos ataques al corazón…

 

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Antes de morir, en 1982, aún tiene energías para ayudar a sus hijos a dibujar sobre la roca la silueta del caballo. Su mujer, Ruth, recoge en mano el testigo y se compromete a seguir sus designios: «Nunca olvides tus sueños».

 

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Tenacidad

Si algo ha heredado Ruth Ziolkowski de su marido, aparte de su campechana sonrisa, es la tenacidad a prueba de dinamita. «Tras la muerte de Korczak, muchos pensaron que desistiríamos», confiesa. «Por eso necesitábamos demostrar al mundo que la leyenda seguía viva, y se nos ocurrió que lo mejor era centrarnos durante algunos años en la cabeza de Caballo Loco, para tenerla lista para el 50º aniversario».

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Las voladuras controladas, calculadas casi al milímetro, comenzaron en lo más alto de la montaña a primeros de los 90. Un equipo de alpinistas, adiestrados en el manejo de los martillos neumáticos y las antorchas, comenzó a pulir la frente y a descender hacia las cejas.

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En el verano del 91, Caballo Loco abrió por primera vez los ojos (de dos metros de alto por seis de ancho cada uno). En la primavera del 94 emergió prominente la nariz. Dos explosiones simétricas sirvieron para perfilar los pómulos meses después. Y del 96 al 98 se trabajaron los labios y el mentón.

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La inauguración

Una última mano de fuego purificador para barnizar de rosa el granito, y la cabeza estaba lista para la grandiosa inauguración. Fue el 2 de junio de este año, con la familia Ziolkowski al completo y unos 500 peregrinos que se apuntaron a la escalada hasta la cima (el monumento sólo puede contemplarse desde la base de la montaña y a cierta distancia, por el riesgo de deprendimientos).

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Un día después, una simbólica explosión -50 veces más potente que la originaria- sirvió para celebrar el 50º aniversario del inicio de las obras, y lo que aún queda…

«No me cabe la menor duda de que el sueño continuará adelante», afirma Ruth, a sus incombustibles 72 años. «Ahora empezaremos con el caballo, y puede que nos lleve una o dos generaciones acabarlo. Tal vez sean los nietos de mis 23 nietos quienes culminen finalmente el sueño de Korczak, quién sabe. Y después de acabar la estatua, tenemos el proyecto de una universidad, y de una escuela médica, y de un museo hecho por y para los indios».

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Ruth preside con temple la Fundación Caballo Loco, en la que trabajan siete de sus 10 hijos. Casimir dirige las obras. Adam mantiene los accesos y se encarga de la carpintería. Dawn coordina el centro de visitantes. Mark se encarga de la explotación maderera. Anne es la responsable del museo indio. Jadwiga organiza las actividades especiales.

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El monumento a Caballo Loco rivaliza ya con el de los presidentes, en el Monte Rushmore, y atrae todos los años a más de un millón de visitantes. Para llegar hasta él, paradojas de los mapas, no hay más remedio que orientarse buscando el pueblo dedicado a su encarnizado enemigo, el general Custer.

No se sabe cuando se terminará de esculpir, pero cuando sea acabado, tendrá más de 641 pies de largo y 563 pies de alto. La cabeza del Caballo Loco ya ha sido terminada y mide 87 pies y 6 pulgadas de alto.

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Para ver esta escultura en progreso, presione aquí: www.crazyhorse.org

 Fuente : http://www.elmundo.es/1998/08/18/uve/18N0095.html

El Museo Magritte abre sus puertas

MARTES, 02 DE JUNIO DE 2009  FABRIZIO NICOLÁS

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Hoy abre sus puertas en Bruselas (Bélgica) el nuevo Musée Magritte, situado en pleno corazón de la ciudad, en la privilegiada Place Royale, muy cerca de la Grand-Place y del Palacio Real. Este nuevo edificio ocupa la elegante mansión neoclásica Altenloh –enteramente remodelada gracias a un patrocinio conjunto entre la administración pública y entidades privadas– y albergará la mayor colección del mundo del insigne surrealista belga René Magritte (Lessines, 1898-Bruselas, 1967), aquel hombre con aires de pequeño burgués que combinaba como nadie bombines con pipas, boliches y árboles sin hojas. El nuevo museo nace con el ambicioso objetivo de conseguir 650.000 visitantes al año.

Magritte en tres plantas

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En sus salas podrán verse alrededor de 200 piezas excepcionales, entre ellas algunas de las más famosas, como El imperio de las luces, El jugador secreto o El regreso, además de un extenso fondo de archivos, cartas, fotografías, películas rodadas por Magritte y sus amigos, dibujos, aguadas y carteles que componen una nutrida colección, reunida durante años por los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica y la Fundación Magritte y enriquecida con piezas únicas, prestadas por grandes coleccionistas privados.

Todo ello se encuentra inmerso en una puesta en escena innovadora que recurre a las últimas tecnologías para subrayar la esencia poética del artista belga, que se despliega plenamente en las tres plantas del edificio.

La visita arranca en el tercer nivel con los primeros cuadros de Magritte y el descubrimiento de los principios sobre los que se asienta su quehacer artístico. En esta zona se pueden contemplar ya algunas obras de envergadura, como El matrimonio de medianoche. En el segundo nivel se concentran los temas menos conocidos en la producción del artista: Magritte y la publicidad, La guerra, El surrealismo a pleno sol, Magritte y el comunismo, La magia negra y el Período vaca.

Jugando al despiste

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Por último, en el primer nivel se presentan las etapas cruciales en la vida del pintor y, sobre todo, sus grandes obras maestras, entre ellas El imperio de la luz, La búsqueda de la verdad, La página blanca y El dominio de Arnheim. Todo Magritte está aquí: subversivo, divertido, y jugando permanentemente al despiste.

Finalizado el recorrido, y antes de abandonar este fascinante universo, conviene echar una última ojeada a la fachada de uno de los museos más modernos de Europa; engastadas en las ventanas, unas pantallas revelan un cielo estriado de nubes: el cielo de Magritte.

Con este nuevo edificio, Bruselas rinde homenaje y salda su deuda con uno de los pintores más importantes del siglo XX y, por supuesto, uno de los artistas belgas más reconocidos en el mundo, que merecía con creces contar con un museo que estuviera a la altura de su obra y legado artístico.

Monsieur Magritte

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El 21 de noviembre de 1898 nacía en Lessines, en la provincia de Hainaut (Bélgica), René Magritte, el genial prestidigitador de lo visible. Su padre era sastre de oficio y pronto se mudó a Châtelet con toda la familia. René contaba tan sólo 14 años cuando su madre se arrojó al río Sambre: su cuerpo sin vida fue hallado al cabo de unos días, con el rostro cubierto por su propio camisón. La imagen, de una fuerza extraordinaria, reaparecería una y otra vez en la obra de Magritte.

En 1917, el joven René se trasladó a Bruselas para cursar estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes. Allí contrajo matrimonio con Georgette, a la que había conocido en Charleroi y que se convertiría así en su compañera, modelo y musa. Para asegurarse el sustento, Magritte empezó a trabajar como grafista en una fábrica de papel pintado. 

Ya en la década de los veinte entró en contacto con quienes serían sus compañeros de viaje en la aventura del surrealismo: Marcel Lecomte, E. L. T. Mesens, Camille Goemans, André Souris, Paul Nougé y Louis Scutenaire, un grupo de escritores y músicos marcados por los horrores de la guerra y movidos por el deseo de acabar con el yugo de las convenciones. Entre todos ellos, el único pintor era precisamente Magritte, por aquel entonces bajo la influencia del futurismo y de la obra de De Chirico. Su primera exposición fue un fracaso; desalentado, Magritte viajó en compañía de Georgette a París, donde trabó amistad con los surrealistas Aragon, Breton y Éluard. Sus telas, sin embargo, seguían sin venderse.

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En 1930, la pareja regresó a Bruselas y allí pasó por varios domicilios antes de establecerse en la Rue Esseghem de Jette, residencia en la que Magritte trabajaría durante 24 años. En el jardín abrió un taller de publicidad, aunque para pintar prefería utilizar el comedor-estudio. En sus obras aparecen varios elementos de esta casa –la chimenea, las puertas acristaladas, la ventana de guillotina…–, abierta al público desde 1999 y convertida en su día en cuartel general de los amigos surrealistas belgas de Magritte. De esos encuentros surgiría una infinidad de escritos subversivos, revistas y panfletos.

El grupo también gustaba de reunirse en La Fleur en Papier Doré, un cafetín regentado por un mar-chante de arte con el que Magritte había entablado amistad. En 1954, René y Georgette se mudaron a la Rue des Mimosas de Schaerbeek. Allí moriría, en agosto de 1967, el hombre con aires de pequeño burgués que combinaba bombines con pipas, boliches y árboles sin hojas. 

Fuente: hoyesarte.com/primer diario de arte en lengua española

Andy Warhol / en Colombia

Andy Warhol «Mr. America» – Museo de Arte del Banco de la República [Bogotá, D.C]

La exposición

El Museo de Arte del Banco de la República, los amigos de sus colecciones y la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, en Alianza con la Revista Semana y W Radio, y con el patrocinio de Coca-Cola; invitan a la exposición Andy Warhol, Mr. America que se presentará gratuitamente en Bogotá.

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La exposición, organizada en colaboración con el Museo Andy Warhol de Pittsburg y bajo la curaduría de Philip Larratt-Smith, es un panorama completo del trabajo de este fecundo artista, y la exposición más grande que se haya organizado en un museo en América Latina.

La lista de obras comprende 26 pinturas, 57 serigrafías, 39 trabajos fotográficos y dos instalaciones (“Silver clouds” y “Cow wallpaper”). Además, se presentarán, 14 de sus películas en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño.

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Andy Warhol, Mr. America explora todos los apectos y periodos de la multifacética producción de este artista, con un énfasis particular en el periodo comprendido entre 1961 y 1968.

La exposición estará acompañada por un catálogo que incluirá un ensayo principal de Larrantt-Smith, textos inéditos de Beatriz Gonzáles, Gary Indiana, Frederic Tuten, Mary Woronov y Matt Wrbicam; así como entrevistas con John Baldessari, Iran do Espírito Santo, Jenny Holzer y Guillermo Kuitka. Igualmente, la publicación presentará una extensa cronología de la vida de Warhol en relación con la política y la cultura, y una amplia selección de citas de Warhol y de varias personalidades sobre la vida y el arte de este artista.

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Las muestras fílmicas

En el marco de la exposición Andy Warhol, Mr. America, la Fundación Gilberto Alzate Avendaño proyectará 14 películas del artistas y realizará un seminario sobre la influencia de Warhol y el Pop en la cultura y la vida contemporánea.

Una muestra de 14 cintas, entre videos y películas de Andy Warhol será presentada del 18 de junio al 23 de septiembre en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Esta muestra completa la exposición de Andy Warhol Mr. America, que se realiza en el Museo de Arte del Banco de la República.

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El material fílmico, presentado por primera vez en Colombia, permitirá apreciar y entender la faceta de cineasta del artista. En esta ocasión, el público tendrá la oportunidad de ver obras, no tan conocidas, que marcaron la historia del arte contemporáneo.

En la presentación se verán películas experimentales producidas en los años 60. Kiss, 1963 con Naomi Levine y Pierre Restaney, Vinly, 1965 y los Screen Tests (retratos fílmicos) de Salvador Dalí, Bob Dylan, Dennis Hooper, Susan Sontng, entre otras, serán algunas de las películas que se proyectarán de forma permanente en las salas de exposición de la Fundación.

A esta muestra se sumará la proyección en el auditorio de películas como Beauty #2, 1965, Poor Little Rich Girl, 1965 entre otras con Edie Sedgwick, y sus últimas producciones como las icónicas The Chelsea Girls, 1966, Imitation of Christ, 1967-69 y The Nude Restaurant, 1967-1968.

Según Philip Larrant-Smith, curador de la exposición, las películas de Warhol “documentaron el voyerismo y el exhibicionismo, el narcisismo y la alienación de la generación de los sesenta, y pusieron en entredicho las premisas fundamentales del cine”.

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Información:

Fecha: Del 16 de junio al 21 de septiembre de 2009

Lugar exposición: Museo de Arte del Banco de la República – Bogotá, D.C.

Dirección: Cll. 11 No. 4-14

Tel: (57) 1 3431212

Lugar muestras fílmicas: Fundación Gilberto Alzate Avendaño- Bogotá, D.C.

Dirección: Calle 10 # 3-16

Tel: (57) 1 2829491

*Ambos eventos son de entrada gratuita

 

Fuente: http://agorarte.wordpress.com/

Un bosque de esculturas en la Fundación Canal

 Un bosque de esculturas en la Fundación Canal

 

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La Fundación Canal (Madrid) abre  al público la exposición El bosque de las esculturas, una muestra compuesta por 39 piezas de la colección particular del coleccionista ítalo-suizo

Simon Spierer (1926-2005) que cuenta con obras de reconocidos autores del siglo XX, como Alberto Giacometti, Constantin Brancusi, Julio González, Max Ernst o Henri Moore, y que abarca los grandes movimientos artísticos del siglo pasado.

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Spierer, descendiente de una familia con raíces judías, emigró a Suiza donde trabajó como comerciante de tabaco y logró reunir, desde 1980, una colección única de esculturas. Atraído por las líneas verticales, los torsos y los totems, este coleccionista hizo su colección atendiendo a criterios muy personales y, curiosamente, consiguió un conjunto de piezas que destacan por su verticalidad.

Agrupar “especies”

Aunque su intención no era la de convertir su colección en un exponente de la escultura del siglo pasado, Spierer consiguió agrupar las “especies” más representativas de los movimientos artísticos del siglo XX. Al ver estas obras alineadas unas junto a otras, proyectándose hacia el cielo como árboles, el propio Spierer las bautizó como El bosque de esculturas.

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Los visitantes podrán contemplar cada una de estas obras como una pieza individual y al mismo tiempo como parte del  todo que imaginó el artífice de esta colección, donde sobresalen obras de la más alta relevancia artística como Daphné, de Julio González, Aves en el espacio, de Constantin Brancusi o los Idolos de Jean Arp.

Además, la colección acapara una cronología centrada en el siglo pasado y que va desde el primer modernismo hasta los maestros contemporáneos, como Graham Williams o Vera Röhm, pasando por el surrealismo, el futurismo y el arte cinético. Esta colección fue donada posteriormente al Hessisches Landesmuseum de Darmstadt (Alemania).

 

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Madrid. Colección Simon Spierer. El bosque de las esculturas. Fundación Canal.

Del 22 de mayo al 22 de julio de 2009.

Comisaria: María Espinosa Rodríguez. 

THE MAKING OF THE PORTRAIT 
RODIN BEFORE HIS MODELS

 

THE MAKING OF THE PORTRAIT
RODIN BEFORE HIS MODELS

EXHIBITION / FROM APRIL 10TH, 2009 TO AUGUST 23RD, 2009

 

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SPECIAL ART OF THE PORTRAIT

In spring 2009, Musée Rodin is putting the spotlight on the special art of the portrait through the exhibition La fabrique du portrait, Rodin face à ses modèles and its contemporary extension, Confessions/Portraits, videos, two works by the British artist Gillian Wearing.

 

ONE SINGLE EXHIBITION

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A creative laboratory but also a social insight, the La fabrique du portrait, Rodin face à ses modèles exhibition invites you to discover the considerable but little-known work of Rodin the portraitist. It highlights the artist’s creative process and approach in building a portrait. Modelled out of the earth itself, the faces of Baudelaire, Clemenceau and Balzac appear alongside the faces of the bourgeoisie of the end of the 19th century. For this event, the museum has taken many restored pieces out of storage, some of which are being shown to the public for the first time. A totally new collection.

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Public or private, commemorative or private, the sculptor created a great diversity of portraits throughout his career. Artists, politicians, bankers, women who were loved, women of the world, French and foreign, all faces of Rodin’s time, immortalized in material form, gathered in one single exhibitio.

 THE VERY ESSENCE OF THE SUBJECT.

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To achieve the physical and emotional characteristics of the subject portrayed, Rodin works the clay directly from real-life sketches or photographs. Using marble, plaster, bronze or baked clay, creating deformed necks and large foreheads, the sculptor plays with materials and scales, searching for a “cerebral anatomy”, to embody the very essence of his subject.

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However, the construction of his portraits results from a wider reflection on the relationship between the particular and the general, between the type and the individual. From the model, Rodin defines a type: the lines of the face are simplified or enlarged, the detail and the particular give way to the general.

To create the posthumous portrait of Balzac, Rodin uses a carter from Touraine whose features, typical of the region, evoke those of the writer for him. The face of Baudelaire is also fashioned from the face of a substitute model.

Faced with his portrait, Clemenceau said: “That’s not me”. But it’s undoubtedly in this distance between the type and the individual, between the subject portrayed and the final result that all the sculptor’s power of interpretation and symbolisation is expressed. “Clemenceau sees himself as he really is. I see him as part of his legend”, Rodin explained.

 

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Fuente : http://www.musee-rodin.fr/welcome.htm

 

los artistas León Ferrari y Mira Schendel

Primera retrospectiva en EE.UU. de los artistas León Ferrari y Mira Schendel

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La trayectoria artística de dos artistas plásticos latinoamericanos, el argentino León Ferrari y la brasileña Mira Schendel, a través de casi 200 trabajos, centra una nueva exposición del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, que se inaugura el domingo.

Se trata de la primera exposición comparativa en EEUU de Ferrari (1920) y Schendel (1919-1988), dos artistas poco conocidos en Estados Unidos, de quienes el MoMA ha reunido unas 200 obras basadas en la abstracción y el lenguaje.

Bajo el título “Alfabetos enredados: León Ferrari y Mira Schendel”, el museo neoyorquino expone hasta el 15 de junio lo que ambos aportaron al arte contemporáneo con sus trabajos en cerámica, pintura, escultura, instalación y dibujo, procedentes de colecciones públicas y privadas de Sao Paulo, Buenos Aires, Londres y Estados Unidos, incluyendo su mismo fondo.

“Para el MoMA es un evento muy importante, no sólo porque es una exposición bien grande -con más de 200 obras-, sino porque recorre la trayectoria entera de dos artistas prácticamente desconocidos en EEUU y ofrece una nueva perspectiva sobre sus obras”, dijo hoy a Efe el comisario de arte latinoamericano del museo neoyorquino, Luis Pérez Oramas.

Agregó que esta muestra es también una oportunidad para ver una selección completa de las obras de los dos artistas, ya que muchos de los trabajos expuestos lo son por primera vez.

“Estas obras tienen de característico que ofrecen un tratamiento distinto en cada uno de los dos artistas y un problema similar, que es el uso del lenguaje como si fuera una materia visual, como si no hubiera distinción entre lo legible y lo invisible”, dijo el experto.

Ferrari y Schendel, además, “utilizan el lenguaje en un período en que gran parte del arte occidental lo empleaban como materia visual, como mecanismo de desmaterialización del arte en el arte conceptual”, explicó el experto.

Señaló también que en esta muestra “el lenguaje aparece en su más absoluta materialidad. Se trata de la noción de voz como objeto visual”, pues los dos artistas latinoamericanos “ofrecen una perspectiva completamente nueva y desconocida hasta hoy de lo que puede ser el arte basado en el lenguaje”.

Ferrari y Schendel trabajaron independientemente durante la segunda mitad del siglo XX y en países latinoamericanos vecinos, creando obras basadas principalmente en el lenguaje, pero nunca colaboraron entre ellos.

Convirtieron el lenguaje en un tema visual en una época en que los artistas occidentales incluían letras, palabras, textos y códigos como componentes funcionales de su arte, y ambos compartieron el exilio y ciertas experiencias de desilusión que determinaron paralelismos y divergencias entre sus obras.

La muestra está organizada a partir de varios grupos y con una cronología flexible, sigue la evolución de los dos artistas desde finales de los años cincuenta hasta finales de los ochenta, en el caso de Schendel, y hasta 2007 en el caso de Ferrari.

Comienza con obras que examinan el uso de la línea, la forma y las texturas, como las naturalezas muertas de Schendel y las tempranas piezas de cerámica de Ferrari.

Le sigue una extensa investigación del uso de palabras, letras y frases a través de una selección de obras sobre papel creadas por estos artistas en las décadas de los sesenta y setenta, en las que lo fundamental es el lenguaje.

También se pueden ver sus obras tridimensionales, como las esculturas en acero de Ferrari y la esculturas y objetos gráficos en papel de Schendel, además de varias piezas colgantes.

Incluye además sus obras de protesta política y religiosa y finaliza con la última serie de cuadros de gran formato pintados por Schendel a finales de los años ochenta, y las más recientes esculturas colgantes en poliuretano de Ferrari, de 2006 y 2007.

Entre las obras expuestas de Ferrari está “Sin titulo (Sermón de la sangre)”, de 1962 y basada en un poema de Alberti, que consta de dos planos de líneas que se juntan en un complejo laberinto en negro y rojo de gestos y líneas entrecruzadas.

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La escultura a debate en el Museo Reina Sofía

La escultura a debate en el Museo Reina Sofía

El Museo Reina Sofía inicia este jueves 16 de abril el ciclo de conferencias   “Objetos de discordia, territorios de disputa. Los debates de la escultura en el siglo XX”. Se celebrarán todos los jueves  hasta el 18 de junio. Su objetivo es señalar las ambivalencias, contradicciones y tensiones del arte de vanguardia tal y como se revelan en la escultura.

La relación de la escultura con el discurso de la modernidad responde a una condición dialéctica. De un lado, su diseminación en la experiencia y cotidianidad han impedido la categorización estructural en la doctrina modernista; de otro, esta misma situación de afuera replantea y redefine la modernidad a través de un cuestionamiento permanente, desde el nominalismo del readymade hasta la contingencia epistémica del postminimalismo, citando dos casos específicos.

En paralelo al nuevo montaje de la colección y a las exposiciones temporales que tienen a la escultura y al discurso de lo escultórico como protagonista, Julio González, Juan Muñoz, Josiah McElheny, Paul Sietsema o Thomas Schütte, se presenta esta serie de conferencias. La finalidad de este ciclo no es tanto debatir el género o el medio artístico sino la de señalar las ambivalencias, contradicciones y tensiones del arte de vanguardia, tal y como se revelan en la escultura en tanto que discurso estético, lenguaje simbólico y práctica social.

Entre los temas a tratar durante los dos próximos meses: la escultura como representación de las contradicciones y fracturas del espacio público como lugar de interpelación social; la escultura como el otro incómodo en la lógica del modernismo, el retorno de lo físico, lo háptico, lo abyecto, lo vulgar, lo contaminado frente al predominio de lo retiniano; la escultura como parodia y distorsión de las leyes que rigen los cuerpos, los espacios y los tiempos; la escultura como vehículo del desdibujamiento de los límites de la galería y del museo y de una nueva actitud extrovertida del sistema del arte y sus agentes; la escultura como trinchera de posiciones de resistencia y de desbordamiento del sistema del arte hacia el mundo o, por el contrario, como una reacción nostálgica contra el impulso moderno convirtiéndose en refugio de identidades nacionales o étnicas; la escultura, en definitiva, como laboratorio en el que se abordan de modo experimental modos alternativos de relación intersubjetiva y con el mundo.

 

Programa del ciclo

16 de Abril (esta conferencia tendrá lugar en el Salón de actos del edificio Sabatini). Isabel Tejeda. El arte re-expuesto: Fountain de Marcel Duchamp Responsable del Departamento de Artes Visuales de la Región de Murcia y profesora de la Universidad de Murcia. Es autora del libro El montaje expositivo como traducción: fidelidades, traiciones y hallazgos en el arte contemporáneo desde los años 70 (Trama, 2006).

23 de Abril

Penelope Curtis. The Souvenir: Remembering Sculpture – Forgetting Sculpture [El Souvenir. Recordando la escultura – Olvidando la escultura]. Conservadora del Henry Moore Institute y autora de Patio and Pavilion: The Place of Sculpture in Modern Architecture (Getty, 2008), así como de Thomas Schütte: The Early Work (Henry Moore Institute, 2008), también ha participado en el catálogo de Julio González (MNAC y Museo Reina Sofia, 2009)

30 de Abril

Peio Aguirre. Escultura e historicidad: un caso vasco. Crítico de arte, comisario y editor independiente. Ha publicado en revistas como Afterall, Aprior, Flash Art, Exitbook y Untitled entre otras. Ha comisariado las exposiciones: Imágenes del otro lado (CAAM, 2007), Arqueologías del Futuro (Sala recalde, 2007), y Asier Mendizabal (MACBA 2008).

7 de Mayo

James Meyer: Entropy as Monument [Entropía como monumento]. Profesor de la Emory University y autor de Minimalism: Art and Polemics in the 1960s (Yale University Press, 2001)

14 de Mayo

Julie H. Reiss: Carsten Höller’s ‘Revolving Hotel Room’: The Museum as Private Domain [‘Revolving Hotel Room’ de Carsten Höller. El museo como dominio privado]. Profesora e historiadora del arte independiente, autora de From Margin to Center: The Spaces of Installation Art (The MIT Press, 1999)

21 de Mayo

Jean-François Chevrier: Work and activity: two paradigms [Obra y actividad: dos paradigmas]. Historiador y crítico de arte, profesor en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de Paris. Ha comisariado recientemente Arte y Utopía: La acción restringida (Macba, 2004) y publicado, en relación con esta conferencia, L’any 1967. L’objecte d’art i la cosa pública, o els avatars de la conquesta de l’espai / The Year 1967. From Art Objects to Public Things, or variations on the Conquest of Space (Fundació Antoni Tàpies, 1997)

28 de Mayo

Francisca Pérez Carreño: El arte minimal, la teoría de la escultura y el espacio de la representación Profesora de la Universidad de Murcia, autora de Los placeres del parecido. Icono y representación (Visor, 1988) y Arte Minimal: Objeto y sentido (Visor, 2003)

4 de Junio

Guy Brett: Painting meets sculpture and something else is born. The instability of categories as poetics in the work of Lygia Clark, Takis, Mira Schendel and Vantongerloo [La pintura encuentra a la escultura y otra cosa nace. La inestabilidad de las categorías como poética en el trabajo de Lygia Clark, Takis, Mira Schendel y Vantongerloo].

Profesor, crítico de arte y comisario independiente. Ha publicado Oiticica in London (Tate, 2007) y Carnival of perception: selected writings on art (ICA, 2004). Ha comisariado y participado en las exposiciones Campos de Fuerza (Macba y Hayward Gallery, 2001), Ana Mendieta: earth body, sculpture and performance, 1972-1985 (Hirshhorn Museum, 2004) y Cildo Meireles (Tate y Macba, 2008-2009)

11 de Junio

Pedro de Llano: Entre la experiencia y la memoria: las huellas de la escultura en el contexto de una economía inmaterial Profesor en la Universidad de Santiago de Compostela. Co-comisario, junto a Pablo Fanego, de la exposición El medio es el museo en el MARCO de Vigo y Koldo Mitxelena Kulturunea de San Sebastián (2008). Coeditor, junto a Xosé Luis Gutiérrez, del libro En tiempo real: El arte mientras tiene lugar (Fundación Luis Seoane, 2001)

18 de junio

Lynne Cooke. Juan Muñoz. Sculpture material and inmaterial [Juan Muñoz. Escultura material e inmaterial] Subdirectora del Museo Reina Sofía, ha comisariado la exposición Espacio para un Universo Isla de Josiah McElheny, prepara las próximas muestras dedicadas a Paul Sietsema, Thomas Schütte y Juan Muñoz.

 

Datos de Interés:

“Objetos de discordia, territorios de disputa. Los debates de la escultura en el siglo XX”. Fechas: todos los jueves a las 19:00 horas, desde mañana, 16 de abril, hasta el 18 de junio.

FECHAS: Jueves, desde el 16 de abril al 18 de junio, 2009

HORA: 19:00 h

LUGAR: Edificio Nouvel. Auditorio 200

ENTRADA: Gratuita. Hasta completar aforo

Fuente:http://www.revistadearte.com/2009/04/16/la-escultura-a-debate-en-el-museo-reina-sofia/